近期看了「廣藝科技表演藝術節」和文建會2010年科技與表演藝術結合旗艦計畫之「數位表演藝術節」幾檔節目。

表演藝術結合科技，不需要想得很神奇，對古老的表演工作者，舞台布景機關是科技，燈光效果是科技，甚至演員頭上的mini mic是科技，這些現在看來稀鬆平常的科技已成很多表演的基本工具。

然後，「多媒體」出現，直接搬上舞台的投影機、電視牆，打破了舞台當下時空限制，讓現場戲劇、舞蹈、演唱也可以跟預先拍好的影像結合。時下的流行音樂演唱會，普遍依賴這種映象設計補強舞台視覺。

現在講的科技表演藝術，有什麼突破？

不滿足於投影產生的「補強」或「補白」效果，要進一步讓表演者與視覺物件互動，當然，指的是與「軟體」或現場的「軟體工程師」互動。更進一步的，想要與觀眾互動，包括表演者與觀眾、觀眾與「軟體」互動。

這是從90年代熱門但現在少提到的語彙「虛擬實境」（virtual reality）開始必然的進程。科技界想方設法要讓平常人也能透過數位科技，體會某種「五感擴充」的經驗（或錯覺？）。

在網路世界，這部份「數位互動藝術」發展很早。在美術界、尤其是裝置藝術界，實驗也不少。

對於我個人認為是「最後一片實體藝術淨土」的現場表演界，在數位席捲人類心智與行為的21世紀，怎麼捍衛「真實體驗」的可貴，又能巧妙借重數位科技？在看過這次數檔國內外創作後，我的基本看法是：

一、藝術先成立，科技藝術才成立：當「低科技」的傳統表演界，遇上「高科技」工程團隊，不要先矮半截，以為自己什麼都不懂；科技厲害，但科技表演藝術畢竟還得是藝術。表演界也不要以為加了科技就抓到救星，爛文本、爛演出，加上再多聲光效果，還是爛節目。

二、藝術和科技的磨合要足夠，預算分配要恰當：兩造平常各做各的，但一旦合作，必要的磨合、討論、實驗、修改，功夫絕對大異平常，藝術團隊是否安排了足夠充裕的時間準備製作，若有委製單位，投資補助方是否瞭解磨合（甚至有時翻臉吵架）之必要？

另外，在整齣製作中，科技界覺得自己是接小案子幫忙，表演藝術界覺得是花大錢請遠來和尚，兩造對預算概念是否合理？若有委製單位想鼓勵這種結合，但科技界拿走的錢遠多於表演界，對原本貧窮拮据、甚至長期有剝削從業人員之嫌的表演界是否公平？

表演界一次兩次以補助款和科技界合作，但平常或中長期根本不會自費與科技界合作，科技界也不會主動投資搞藝術，這又達到什麼「鼓勵」目標？

三、台灣科技界要再加油，先進還得更先進：以我現在看到的台灣自製節目，科技含量比國外還有不小距離，是台灣科研能力不足？廠商技術不足？我想絕對不是，只是目前能夠打先鋒的組合，在預算、時間或團隊上還不夠強大，創意和技術都還有精益求精的空間與必要，千萬不要有感覺「劇場觀眾看到這樣已經差不多該驚嘆」的低估心理。

在華山看符宏征導演、動見体劇團演出的「1:0」，我最震撼的兩段分別是：羅美玲高歌一曲（有一點點類似「第五元素」女高音那場）、以及扮演「教練」的郭耀仁訓斥逼迫「選手」劉亭妤，最後從懷中拿出無數乒乓球丟向選手，選手不斷揮拍接球，把球打向教練、打向四方的狂亂無助。

這兩場戲，一個靠的是美聲（非常傳統以人體為工具的表演），一個靠的是導演意念和演技張力（非常基本的傳統戲劇成功元素），都不是憑藉高科技。

羅美玲那場雖有光圈在背後螢幕閃動，但並非感動我的重點，甚至用電腦燈效果也不會差太多。演出後和導演聊天， 知道那場戲是軟體工程師在現場視歌手演出而做投影效果，但本來是想用「更科技」的方式（以歌手的音量驅動程式變換背景圖像，有如「心電圖」原理），但時間和錢都不夠而放棄。

我跟符宏征笑說：「有時資源不夠未必不是好事。至少不會因著迷於科技而亂做。」很高興他有同感。

我想現在觀眾要看的，應該不只是幕後工程師和表演者互動這種屬於製作團隊內部的「互動」，而是表演者與現場觀眾本來看到的硬體物件互動，或者在瞬間由表演者主控改變了現場視覺經驗；當然，若能加入觀眾互動（如因觀眾的情緒、聲音、動作而影響了現場視覺效果），劇場就會更像「遊樂園」而非僅僅是壁上觀的「萬花筒」了。

可是，請不要誤會我最後的意思是強調「遊樂園」一定優於「萬花筒」，對不起，未必。我只是強調：要炫就要夠炫，不要蜻蜓點水；但在大家都炫的年代，最道地真摯的手工氣息，也會大受歡迎。

新一代的劇場工作者，往M型兩邊邁進吧。